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| Programa general | Teatro Degollado | Concierto Viernes 16 de Mayo Orquesta Filarmónica de Jalisco Teatro Degollado
Programa: Obertura “Ifigenia en Aulide” de Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) I –Allegro non troppo Intermedio “Don Juan ” de Richard Strauss (1864 – 1949) Sinfonía No. 8 Op. 93 de Ludwig Van Beethoven (1770-1827) I –Allegro vivace e con brio
KLAUSPETER SEIBEL, director de orquesta
Con especial énfasis en el repertorio romántico antiguo europeo y norteamericano, Seibel dirige un vasto número de trabajos contemporáneos, en adición a la literatura orquestal operática de los siglos XVIII y XIX. Su anterior trabajo de dirección incluye a la orquesta Sinfónica de Nuremberg, Opera y Filarmónica de Freiburg, La Opera y la Orquesta del Museo de Frankfurt, la Opera y Filarmónica de Kiel y Louisiana Philharmonic. En los Estados Unidos, el activo programa de Seibel como director invitado incluye las Charlotte Symphony, Colorado Symphony, Grand Rapids Symphony, Jacksonville Symphony, Kansas City Symphony, Nashville Symphony, Omaha Symphony, San Diego Symphony, Utah Symphony y la Orchestre Symphonique de Québec, así como los festivales de Chautauqua y Texas. En Europa ha deleitado a selectos públicos, dirigiendo las orquestas de Berlín, Hamburgo, Frankfurt, Bratislava, Copenhaguen, Dublin y Reykjavik, entre otras. Además de sus posiciones operáticas permanentes, Klauspeter Siebel ha sido director huésped de la Opera Alemana y la Opera del Estado de Alemania unter den Linden, en Berlín; la Opera de Hamburgo, la Opera del Estado de Viena, la Opera de Zurich, New Orleans Opera, Colorado Opera y Utah Opera. En gira con la Opera de Hamburgo, Seibel condujo representaciones altamente aclamadas de Romeo y Julieta en Israel, y de Wozzeck y Sansón y Dalila en Moscú. Ha grabado para Deutsche Grammophon, RBM, Colosseum y RPO. Las grabaciones incluyen: Wings of Song, con James Galway y la London Symphony Orchestra para Deutsche Grammophon; la premiere mundial de Der Ring des Polykrates (una ópera de Erich Wofgang Korngold) para CPO, y la primera grabación de los trabajos orquestales de Franz Lehar también para CPO. Nacido en Offenbach, Alemania, Klauspeter Seibel estudió piano, composición, conducción, flauta y corno en Munich y Nuremberg. A los 21 años de edad hizo su debut como director de orquesta, en el Theater am Gärtnerplatz de Munich. Recibió el Premio de la Ciudad de Munich, así como los de la Malko Competition en Copenhaguen y la Mitropoulos Competition en Nueva York. DANIEL MÜLLER-SCHOTT, violonchelo “El mundo tiene ahora un nuevo gran chelista”.
PRENSA Triunfo de Daniel Müller Schott en la Boston Symphony James O. Oestreich, The New York Times, Julio, 2007 Las Variaciones Rococó para Orquesta y violonchelo son lo sobresaliente. Daniel Müller-Schott, el solista, ejecuta con elegancia que raya en lo sublime, y sorprende con su energética vitalidad. Con ésta y con humor musical, el joven y extremadamente bien parecido músico hace maravillas sonoras con su chello. Daniel Müller-Schott fue descubierto por la Fundación Anne Sophie Mutter y catapultado a las cumbres de la música clásica. Michael G. Müller, Neue Ruhr/Rhein-Zeitung, Julio, 2007
Orquesta Filarmónica de Jalisco Por iniciativa del Maestro José Rolón, en el año de 1915, un grupo de músicos jaliscienses comenzó a ofrecer al público de Guadalajara, audiciones de cámara y sinfónicas, estableciendo el punto de partida para la que , en el futuro, sería la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Entre 1915-1924, la Orquesta fue manejada por la Sociedad de Conciertos, que funcionaba mediante una mesa directiva, recibiendo apoyo económico de la iniciativa privada y una subvención del Gobierno Estatal; ésta fue suspendida en 1923, resultando en la disolución del organismo. Los músicos, sin embargo, siguieron trabajando para impedir que la Orquesta desapareciera, y lograron que el Gobernador José Guadalupe Zuno brindara apoyo económico; debe mencionarse la dedicación que Don Pedro González Peña tuvo para la Orquesta, hasta el 1939.
En febrero de 1942, cuando Guadalajara celebraba el 4º centenario de su fundación, paseaba por la ciudad el Maestro Leslie Hodge, quien escuchó interpretar varias piezas clásicas a algunos músicos, se les acercó con ánimo de conocerlos, y al mismo tiempo los alentó a formar una orquesta. Se le invitó a organizarla y dirigirla. Sus compromisos se lo impedían en ese momento, pero prometió venir una vez concluida la Segunda Guerra. Así la Asociación de Amigos de la Música solicitó al Gobernador Marcelino García Barragán que garantizara la permanencia de la orquesta, en vista del ofrecimiento del Maestro Hodge, quien se convirtió el primer director de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Este patrocinio se mantuvo hasta 1950, en el que se formó Conciertos Guadalajara, A.C., que se encargó de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara con subvenciones económicas de los gobiernos estatal y municipal, así como de la iniciativa privada. En 1971 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara pasó a ser un organismo del Departamento de Bellas Artes del Estado de Jalisco, que desde entonces la manejó artística y económicamente.
En 1988 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara cambia de nombre, con lo que nace la Filarmónica de Jalisco. La intención era que su utilidad sinfónica se extendiera a todo el Estado. Esta organización ha sido integrada en base a una estricta audición de atrilistas aspirantes, cuya selección garantiza la homogeneidad sonora del rendimiento técnico de sus miembros. Esto nos permite considerar que la Filarmónica de Jalisco pueda afrontar con gallardía y decoro todo tipo de repertorio, incluidas las obras más ambiciosas de los últimos años. Desde Mayo de 2004 el maestro Héctor Guzmán es el nuevo titular de la Filarmónica de Jalisco. Integrantes OFJ
*Principal de sección Héctor Guzmán
Ha sido director huésped de importantes orquestas de México: OFUNAM, Xalapa, Estado de México, Cámara de Bellas Artes, Monterrey, Filarmónica de la Cd. de México, Sinfónica Nacional, así como de las orquestas de Dallas, San Antonio, Wheeling, la Sinfónica Nacional de la República Dominicana, la Collegium Orchestra en el Palacio Lichtenstein de la Academia de Música de Praga en la República Checa, la Filarmónica de Japón, la Orquesta Amadeus, la Milano Classica Orchestra, en Italia, y la Sinfónica de Murcia, España, entre otras. Su debut operístico tuvo lugar en el 2005 con la ópera El Barbero de Sevilla y en el 2007 estrenó en México la versión en español de la ópera Frida, con enorme éxito. Nacido en Fresnillo, Zacatecas, Guzmán estudió en el Conservatorio Nacional de Música en México con Víctor Urbán y posteriormente en la Southern Methodist University y la Universidad del Norte de Texas, bajo la guía del célebre maestro Robert Anderson. A través de su trayectoria en estas instituciones, fue ganador de los concursos Manuel M. Ponce y Solistas del Conservatorio. En 1978, obtuvo para México el segundo lugar del concurso de órgano más importante en el mundo, el Grand Prix de Chartres celebrado en Francia. Ha contado con la guía en dirección orquestal de Anshel Brusilow (Philadelphia Orchestra), Helmuth Rilling (Universidad de Oregon), Carlo Maria Giulini (Accademia Musicale Chigiana, Italia), y su gran amigo y maestro Eduardo Mata. En reconocimiento a su labor internacional, Héctor Guzmán ha sido honrado con premios como la Lira de Oro en México, el Meadows Award, el premio Director per Excellence, otorgado por el Instituto Tecnológico De Vry, en los Estados Unidos y la Medalla al Mérito Artístico 2005, la más alta condecoración otorgada por el gobierno del Estado de México a través del Conservatorio de Música del Estado de México. Asimismo fue galardonado con la Medalla al Mérito Artístico Candelario Huizar 2006, que le fue otorgada por el gobierno de Zacatecas. En el 2004, Héctor Guzmán fue nombrado Ciudadano Distinguido por su estado natal Zacatecas. Asimismo, recibió la Medalla de Plata 2004 otorgada por la sociedad americana: Sons of the American Revolution, por su contribución artística a nivel mundial y desde el 2000 esta incluido en el libro Grandes Músicos del Siglo XX, editado por el Instituto Biográfico de Cambridge, Inglaterra. En abril del 2007, la ciudad de Irving y la Cámara de Diputados del Estado de Texas, otorgaron al Mtro. Guzmán, un reconocimiento especial por su Trayectoria Artística a nivel internacional y en el 2008 la Embajada de Austria le otorgo la Medalla de Mozart en su nueva era: máximo reconocimiento en México a la excelencia en la música académica. NOTAS AL PROGRAMA CHRISTOPH WILLIBALD GLUCK
Las oberturas “He pensado que la obertura debería informar a los espectadores de la naturaleza de la acción y formar de alguna manera el argumento”. Estas líneas, extraídas de la carta declaratoria de Alceste a Leopold, Duque de Toscana, bastan para hacer comprender que las oberturas de la óperas de Gluck son todo menos piezas de concierto. Separarlas de contexto sólo consigue contradecir las intenciones del autor, sin contar con que a veces hace falta realizar arreglos para transformarlas en piezas aisladas. Y sin embargo figuran a veces así en las carteleras de concierto, pero sólo una introducción muy modesta a la voluntad del músico. OBERTURA IFIGENIA EN AULIDE La primera representación de Ifigenia en Aulide, ópera-tragedia en tres actos y cuatro cuadros sobre un libreto de Lebland du Roullet inspirado en Racine, tuvo lugar el 19 de abril de 1774 en la Academia Real de Música de París. En 1847, en Dresden, Richard Wagner, del que ya conocemos su admiración por Gluck, presentó la versión revisada con una orquesta reforzada y nuevos recitativos. MAX BRUCH
“KOL NIDREI” PARA VIOLONCHELO Y ORQUESTA OP.47 A título de información, mencionemos esta obra, fechada en 1881, que tiene forma de suite para violoncelo y orquesta. Se trata, propiamente hablando, de unas variaciones sobre motivos populares judíos, y el conjunto -Adagio- no está desprovisto ni de un ferviente lirismo ni de poesía: el violoncelo parece “rezar” con sus notas mas cálidas. La obra ha desaparecido prácticamente del repertorio, a despecho del interés que por ella tienen ciertos violonchelistas (en disco suele aparecer acoplada a Schelomo de Bloch). Fue severamente condenada por Schöemberg, autor él mismo de un Kol Nidrei para orquesta, coro y recitante, de muy diferente categoría. Cuando escribía su propia partitura, Schöemberg declaró haber querido “aniquilar con vitriolo el sentimentalismo del violoncelo de Bruch y sus consortes ....” CAMILLE SAINT SAENS
Saint Saëns creó pronto una “escuela” de música francesa: excelente pedagogo (en la escuela Niedermeyer, donde Fauré y Messeguer fueron sus discípulos), vigoroso defensor de la música de sus cadetes (en la famosa Sociedad Nacional, llevando alto el blasón de “Ars Gallica”), gran viajero también y curioso de todo (filosofía, arqueología, pintura, etc.), miembro, en fin del Instituto a los cuarenta y siete años. Con demasiada rapidez se ha tildado la música de Saint Saëns, un perfeccionista de la forma, de frío academicismo. Este prejuicio nutre frecuentemente la interpretación de sus obras, al mismo tiempo que refuerza la desconfianza del público, advertido por la frase despreciativa de un Debussy: “Saint Saëns es el hombre que mejor conoce la música del mundo entero” (dicho de otra forma, al que ahoga su erudición). Ahora bien, los que desprecian su arte son sin duda aquellos que menos la conocen y sobre todo, los que ignoran la influencia que ejerció en la música francesa en pleno estragamiento wagneriano: retorno a las fuentes salvadoras, como fue, por ejemplo la revaloración de Marc Antoine Charpentier; de Rameau, e incluso de Gluck. Y ese arte, se diga lo que se quiera, no está envarado, es sencillamente el de un “romántico encadenado” (Roger Dalage), a quien la perfecta maestría de su oficio inhibió a menudo (no olvidar la admiración que tenía por Maurice Ravel, al menos como científico de la orquestación). Saint Saëns abordó todos los géneros, profanos o sagrados y su mejor título de gloria es esa Sansón y Dalila que aún se canta en los escenarios líricos del mundo entero, pero que no puede hacernos olvidar las obras de música de cámara (fue un pionero en Francia), un gran número de canciones, de composiciones corales y religiosas e importantes obras de música sinfónica y concertante. CONCIERTO PARA VIOLONCHELO Y ORQUESTA OP.33 Fue escrito entre 1872 y 1873 y ejecutado por primera vez en París en 1875. Su particularidad es la de encadenar los tres movimientos en uno solo, revistiendo el conjunto de la obra la forma de un amplio Allegro de sonata: exposición y desarrollo (primer movimiento), interludio central y reexposición recapitulación (movimiento final). En este aspecto, la obra realiza un modelo de equilibrio, de claridad y de maestría técnica. Saint Saëns explota en ella lo mejor posible la larga extensión del instrumento solista y valora su tesitura más rica, la media y grave, maravillosamente engastada en el estuche orquestal. Los tres movimientos son: Allegro non troppo; Allegretto con moto; Molto allegro. El primero tiene dos temas, con un desarrollo poderosamente expresivo; el segundo, de un carácter íntimo, adopta el ritmo de un minueto: es en este movimiento intermedio en donde el violoncelo, sin duda, desarrolla un registro persuasivo, una dicción de un natural soberano, sin ningún rasgo de virtuosismo. La parte final, que utiliza un nuevo material temático, cierra este conjunto con elegancia y encanto a la vez. RICHARD STRAUSS
En ella se revela ya una personalidad original que se afirmará en toda una serie de poemas sinfónicos, a propósito de los cuales se ha hablado de un primer “período” creador. El segundo “período” estará consagrado a la ópera. Después de dos ensayos infructuosos, se inaugura en 1905 con Salomé, cuyo triunfo es mitigado por el escándalo; a ésta sucederá otra de sus obras maestras, El caballero de la rosa, obra con la que se identifica inmediatamente el nombre del compositor. Se benefició de la colaboración con un libretista excepcional, el poeta Hugo von Hofmannsthal, pero éste murió en 1929, dejando a Strauss desamparado, hasta tal punto que a la llegada del nazismo en Alemania no rechazó la presencia de la Reichmusikkammer (y sucedería a Bruno Walter en la dirección de la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig). Sus buenas relaciones con el régimen se alteraron después de la condena oficial, en 1935, de su ópera La mujer silenciosa (un ataque contra su libretista, el escritor judío Stefan Zwig, a quien Strauss defendió con valentía). Aunque nadie le inquietó, el músico renunció entonces a la función pública y acabó de componer retirado en su ciudad de Garmisch, pero fue desterrado por los Aliados al final de la guerra y vivió en Suiza antes de que le volvieran a permitir regresar en 1949 para morir poco tiempo después. En este final de carrera que se ha llamado “el verano indio” del compositor, éste produjo tres últimas obras maestras, la ópera Capicho, las Metamorfosis para orquesta de cuerda y los famosos Cuatro últimos lieder. El catálogo straussiano es nutrido: además de las quince óperas, tres ballets, dieciocho lieder con orquesta y ciento cuarenta con piano , hay que contar cuatro sinfónicos, dos suites de orquesta, las Metamorofosis y conciertos para piano , para violín, para trompa, para óboe, para clarinete y para fagot (que es lo esencial del catálogo que será presentado aquí). Richard Strauss es una “paradoja” del siglo XX: sus principales poemas sinfónicos, que son caballo de batalla de nuestros conciertos, fueron compuestos a finales del siglo XIX y siguen siendo lo más audaz de su obra; después de la ópera Electra (1909), por el contrario, la música de Strauss es una síntesis, temporada juzgada sosa por algunos del romanticismo heredado del siglo anterior y un ideal clásico fuertemente teñido de barroquismo. Strauss no fue nunca un innovador, como Schönberg o Stravinski, sino un creador aislado, seguro de sí mismo, de su inspiración (generosa, a veces band), de su oficio (magistral) y de sus obras, que continúan las mejores de entre ellas siendo interpretadas regularmente. POEMA SINFONICO “DON JUAN” OP 20 Cuando Strauss compuso este Don Juan, tenía solamente veinticuatro años. La obra ha llegado a tener una enorme audiencia y ha de ser también uno de los pilares del repertorio sinfónico. Concentrada, poco anecdótica, la partitura desarrolla una extraña variedad de expresiones dominada por el impulso de una especie de gesta en su pleno. Es la lectura del poema romántico Niloñaus Lenau la que inspira los temas musicales anotados por primera vez en mayo de 1888 en Italia, durante una estancia en Papua. La partitura se acaba rápidamente el 30 de septiembre del mismo año. El estreno tuvo lugar el 11 de noviembre de 1889 en Weimar, bajo la dirección de Strauss. Hans von Bülow dio la primera audición berlinesa el 31 de enero del año siguiente. Tres fragmentos del texto dramático de Lenau, treinta versos en total, figuran en exergo al poema sinfónico; Strauss deseaba que fueran insertados en los programas de concierto. Eso permite comprender que el compositor sólo ha tomado del poeta algunas líneas generales el Deseo, la Posesión, la Desesperación, que pueden traducir la evolución musical de su héroe, violento, apasionado, que “sueña con abarcar el gozo humano” (Roman Rolland) y a quien su búsqueda de un ideal inaccesible conduce a un “inmenso hastío”. Un Don Juan, pues, preso de su personalidad trágica, tal como fue acentuada por el Romanticismo. Pulsiones y saciedades sucesivas, amargas premoniciones de muerte y finalmente la realidad de ésta; así se resume en una notable elipse la trama del poema sinfónico. La partitura comienza con un brillante Allegro molto con brio, animado por una fuerza épica que sugiere la soberbia del héroe, y sus apetitos de conquista con el primer tema principal. Motivo del Deseo que asume la cuerda en escalones ascendentes, expresión muy característica de una “manera” del compositor; la carrera insaciable ha comenzado. Pero sucede una especie de pausa ante “la magia de la feminidad espléndida”: transición tranquillo con una larga tenida de la orquesta, en la que el violín solo insinúa la imagen de una Zerlina coqueta, pero consentidora: tierno y voluptuoso motivo, después apasionado, del clarinete. En el si mayor dominante del mi mayor anterior en que se desarrolla la suave frase confiada a la cuerda, imaginamos una escena de amor sometida a los preliminares del placer que amplía poco a poco toda la orquesta. Y ya satisfecho, Don Juan escapa: resuena de nuevo el tema imperioso antes de que tome forma, con una frase de la cuerda media, otra figura femenina, en un discreto pianíssimo en el que la flauta parece tener una expresión casi llorosa. Y entonces canta el óboe solo, sobre la cuerda grave, en un sol mayor elegíaco, el amor virtuoso de Doña Ana, que se abandona progresivamente. El motivo es prolongado por el clarinete, después por el fagot, dentro de una atmósfera de “cámara”, reveladora asimismo del tacto straussiano. Una nueva secuencia de transición, mediativa y sobre una tenida de la cuerda, y entran con potencia las cuatro trompas exponiendo vigorosamente el segundo tema principal de la obra. Tema que podemos considerar como el de la posesión triunfante, momentáneamente engrandecido y a través del cual el héroe parece alcanzar una estatura fáustica. Es el final de la amplia exposición que ha transcurrido con la lógica de un desarrollo sinfónico beethoveniano. La reexposición y la coda propondrán la reiteración de los motivos anteriores, movidos recuerdos de las figuras femeninas ya desaparecidas, transformadas en visiones fantasmagóricas y caricaturescas. Fúnebres presagios de muerte (frases cromáticas descendentes de la cuerda) antes de que lleguen los sucesivos recuerdos fortísimo, de los temas mayores en la cuerda y los instrumentos de viento al unísono. Una ruptura, y comienza la agonía: sobre un acorde pianissimo en la menor, ecos disonantes de los metales y lúgubres trémolos de la cuerda declinan hacia los últimos suspiros de la vida. Primero uno, después dos débiles acordes de mí y llega el final. Uno de los grandes éxitos juveniles de Richard Strauss y, según la fórmula de Dominique Jameux, la “demostración de Eloy, que podía hacerse con una orquesta sinfónica a finales del siglo XIX”; la obra, además, impresiona por su arranque, sus contrastes de dinámica, la libertad de su acentuación rítmica y de sus colores y, en fin, por la evidente belleza de sus temas, algo que, con respecto a esto último, no siempre conseguirá Strauss. LUDWIG VAN BEETHOVEN
Con doce años destaca como intérprete de piano, órgano y viola, tocando cinco años más tarde para Mozart en Viena. En 1792 volverá a la capital austriaca para recibir lecciones de Haydn, Salieri y Albrechtsberger, centrándose en la carrera de compositor. El 29 de marzo de 1795 se presentó ante el público vienés como pianista y compositor, alcanzando un éxito apoteósico.En 1808 fue solicitado por el rey de Westfalia, lo que motivó el aumento de su fama, llegando a recibir una renta anual vitalicia por parte de los príncipes Lobkowitz y Kinsky. Los primeros trastornos auditivos empezaron a manifestarse en 1796, pero a partir de 1819 se quedará sordo, lo que motivará su estado de tristeza y de soledad, agravado por las ingratitudes de su sobrino Karl. Se impone en el Congreso de Viena de manera imprevista, ya que Rossini, representante del italianismo, era el principal ídolo. Los desengaños amorosos marcarán la vida de Beetthoven y también influirán en su obra, al igual que su irascible carácter y su soledad, acabando sus días con problemas económicos. Su música abarca tres etapas: la primera será la de las influencias, especialmente de Haydn y Mozart, destacando como pianista y permitiendo sus éxitos abrirle las puertas. La segunda etapa se desarrolla entre 1801 y 1815, siendo el momento de madurez artística, modificando la sonata e imponiendo el lenguaje expresivo. La tercera vendrá definida por el romanticismo, mostrando su genialidad que rompe con las viejas fórmulas, siendo la "Misa solemne" y la "Novena sinfonía" sus obras más destacadas. Toda sus trabajos se caracterizan por el contraste entre la alegría y el dolor, convirtiéndose en el músico más importante de todos los tiempos y el fundador de la modernidad con sus nueve sinfonías, sus siete oberturas, los conciertos para piano y orquesta. SINFONÍA NÚMERO 8, EN FA MAYOR (OPUS 93) Escrita y terminada, en efecto, menos de cinco meses después de la Séptima (el manuscrito lleva la fecha de octubre de 1812), la Octava fue compuesta sin duda en el verano precedente, durante el cual Beethoven residió en la ciudad balneario de Teplitz, en Bohemia. Puede que deba su carácter de sonriente desenvoltura a la inclinación bastante viva que el músico sintió por la cantante berlinesa Amelia Sebald, mujer espiritual y alegre que tenía a Beethoven bajo la influencia de sus encantos. Como la sinfonía precedente, ésta también fue presentada al público vienés (en la Redutensaal) más de un año después de haber sido terminada: el 27 de febrero de 1814. Solo recibió una acogida moderadamente entusiasta y durante mucho tiempo se le consideró “ la pequeña sinfonía” de Beethoven (el mismo acreditó esta denominación, por oposición con la amplitud de la Séptima). Y aún hoy se constata que la Octava sinfonía no es, ni con mucho, la mas tocada. No está dedicada a nadie. Los cuatro movimientos son: Allegro vivace con brio; Allegretto scherezando; Tempo di minueto; Allegro vivacce:
Después de la repetición hay un diálogo entre los violines (en do mayor)y mas tarde entre las flautas y los oboes (fa mayor), que desemboca en una reexposición en si bemol. El trío está señalado por un dúo de trompas –dolce- seguido de otro entre el clarinete y la segunda trompa, sobre un arpegiado pizzicato de los violoncelos. Las cuerdas primero y después la madera repiten este motivo, unas veces dialogando, otras como acompañamiento. Repetición da capo del Tempo di minueto. |
En la actualidad principal Director Huésped de la Louisiana Philharmonic, y normalmente director de orquesta en las casas de ópera en Frankfurt y Dresden, Klauspeter Seibel ha sido figura mayor en las etapas musicales de Europa y Estados Unidos.
En sólo unos cuantos años, Daniel Müller-Schott ha saboreado las mieles del éxito, ubicándose en los más importantes escenarios de concierto del mundo.
El maestro Héctor Guzmán, reconocido internacionalmente como uno de los músicos mexicanos más sobresalientes en la actualidad, es director titular de las sinfónicas de Plano, Irving y San Angelo en E.U. y en el 2004, tras resultar ganador del concurso internacional: Siete Directores por una Batuta, fue nombrado director titular de la Orquesta Filarmónica de Jalisco, reiterando su lugar como una de las figuras en el podium de más importancia en México y en el mundo.
Nacido en Erasbach (Alto Palatinado) el 2 de julio de 1714; muerto en Viena el 15 de noviembre de 1787. Christoph Willibald Gluck consagró lo esencial de su actividad creadora a la ópera, con la excepción de raras piezas instrumentales, coreográficas y religiosas. Alumno de Milán de Sammartini, representó en la capital lombarda sus primeras óperas italianas. Hacia 1754 fue nombrado director musical de Burgtheater de Viena y comenzó a componer óperas cómicas francesas. Su verdadera reforma del arte lírico no comenzó, sin embargo, hasta 1762, con Orfeo y el libretista Calzabigi no fue extraño a ella. Alceste (1767), Ifigenia en Aulide (1774) e Ifigenia en Tauride (1779), fueron otros tantos jalones de una estética que tuvo un peso definitivo sobre el porvenir del teatro cantado y que tendió a someter la música al drama. Músico cosmopolita por excelencia, repartió sus últimos años entre Viena y París (los partisanos de la ópera italiana le opusieron bien inútilmente a Niccolo Piccinni en una célebrw disputa) y fue en la capital francesa donde se estrenaron, entre otras, tres de sus mejores obras, Armida y las dos Ifigenia.
Nacido en Colonia el 6 de febrero de 1838; muerto en Fridenau (cerca de Berlín) el 2 de octubre de 1920. Alumno de Hiller y Reinecke. De un conservadurismo musical a ultranza, fue director de orquesta y de coro de Mannheim, Coblenza, Liverpool y Breslau y profesor de composición en la Escuela Superior de Música de Berlín hasta el año 1910.
Nacido en París el 9 de 1835; muerto en Argel el 16 de diciembre de 1921. Fue un joven pianista pródigo que dio su primer concierto en la Sala Pleyel a los once años, antes de entrar en el Conservatorio a los trece años, donde fue alumno de Halévy para la composición. Organista titular de la iglesia de La Madelaine, se hizo célebre a los veinticinco años y provocó la admiración de un Berilos y de un Liszt; jugó un doble papal en su carrera: de un lado influyó en sus concepciones musicales dichas, y de otro lado le ayudó en la propagación de su obra (la ópera Sansón y Dalila se estrenó en Alemania por iniciativa del maestro húngaro). 
Nacido el 11 de junio de 1864 en Munich; muerto el 8 de septiembre de 1949 en Garmisch (Alpes Bávaros). Su padre, primer trompa del teatro de la corte de Munich, era un músico notable. Es de él, y de su madre, para el piano, de quienes el joven Strauss, extraordinariamente dotado, recibió las primeras enseñanzas musicales. A los diecisiete años ya se interpretaban sus obras, por otra parte bastante convencionales. En 1882 completó sus estudios clásicos en la Universidad de Munich y al año siguiente fue a Berlín, donde Hans von Bülow le facilitó sus conocimientos como director de orquesta (Strauss, se olvida con frecuencia hoy en día, fue uno de los grandes directores de orquesta de la primera mitad del siglo, eminentemente “moderno” por la claridad y la ausencia de énfasis en la dirección); es a Bülow a quien sucedió el joven director en 1885 a la cabeza de la orquesta de Meiningen; más tarde sería asistente del director de la ópera de Munich y finalmente primer director. Entretanto, Strauss había descubierto la magia wagneriana en Bayreuth (donde dirigiría el mismo en 1891). Sin embargo, su primera obra maestra sinfónica, Don Juan, no parece deber mucho a Wagner.
Nació en Bonn, Alemania, en 1770, en el seno de una familia humilde de origen flamenco -su padre también era músico. Demostró a edad temprana sus dotes musicales, intentando su padre que realizara una carrera similar a la de Mozart, por lo que a los ocho años dio un concierto en Colonia y actuó en Holanda. La formación musical del pequeño maestro era bastante desordenada, por lo que el organista Neefe lo pondrá en contacto con las obras de Händel y Bach.